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Français Le Festival de Cannes de cette année - la première année du festival de cinéma le plus admiré de la planète - a produit beaucoup de bons et précieux petits grands, et je choisis d'attribuer cette insignifiance au goulot d'étranglement inversé du COVID, suspendant 2020. Les années de production reprennent maintenant. Pour votre humble critique, une liste apparemment haut de gamme a peut-être produit un chef-d'œuvre (en vous regardant, l'âge apocalyptique de James Gray) et de multiples échecs qui vont au-delà de la simple méchanceté et se rapprochent d'une agression morale (bien que le drame de souffrance noire Tori et Lokita et le thriller sur le meurtre de travailleuses du sexe Holy Spider aient inexplicablement leurs partisans). Traditionnellement, ces prix sont décernés aux mauvais films, avec la satire à large base de Ruben Östlund The Triangle of Sorrows en 2017 avec The Square. Parmi les projections les plus effrayantes d'un festival de cinéma moyen, je suis sûr que l'année prochaine apportera sans aucun doute des blockbusters de réalisateurs poids lourds.
Mais il ne sert à rien de se plaindre, pas quand on peut contempler d'un air maussade les vagues saphir de la Méditerranée le matin, et essayer de ne pas s'embarrasser en discutant avec Julianne Moore lors d'un cocktail le soir.Quant au film lui-même, les émissions annexes offrent des moments forts plus marquants que d'habitude, comme un voyage étonnant dans le corps humain - je ne parle pas du dernier film de David Cronenberg, croyez-le ou non - et une immersion dans une silhouette psychologique dans une fantaisie luxuriante.Certains des quelque douze films présentés ci-dessous ont déjà obtenu un contrat de sortie en salles aux États-Unis et sortiront en 2022 ; d'autres n'ont pas encore été choisis et pourraient être des streamers majeurs dans le flux de frénésie des offres post-vacances. (Vous seriez surpris de voir combien des meilleures acquisitions étrangères de Netflix font sensation au Palais des Festivals pour la première fois.) Lisez la suite pour une analyse des 12 premières les plus prometteuses du sud ensoleillé de la France, où les meilleurs Faites bon usage de votre temps encore assis à l'intérieur, dans le noir, pendant des heures à la fois.
Après avoir repoussé les problèmes de son père aux confins de l'univers dans « Astra », James Gray porte son attention sur les pères et les fils vers un dossier personnel plus solide et immédiat alors qu'il écrit pour ces mémoires fictifs - l'une de ses œuvres les plus émouvantes - recrée les films new-yorkais de son enfance en on ne sait combien de temps. Le jeune juif Paul Graff (Michael Banks Repeta, assez découvert) rêve de transformer un jour ses graffitis de fusée en un grand monde de l'art, mais les défis de la vie ordinaire le tiennent occupé : des parents (Anne Hathaway et Jeremy Strong, tous deux à leur meilleur) qui veulent qu'il se repose à l'école, un grand-père adoré (Anthony Hopkins) qui est en mauvaise santé et qui est transféré dans une université privée avec des geeks de la tarte Reagan dedans. Gray rend tout cela dans les moindres détails (lui et son équipe ont construit une réplique à l'échelle de son ancienne maison sur le plateau de tournage en utilisant des films amateurs et de vieilles photos), plus poignant que le monologue déchirant en raison de son intimité. Le sexe est plus poignant que les monologues déchirants. C'est comme fouiner dans la mémoire de quelqu'un d'autre.
Français Mais surtout, Gray voit ses choix de mini-moi à travers les yeux clairs des adultes. Le cœur moral du film porte sur la classe sociale - comment elle affecte Paul de manière subtile qu'il ne peut pas comprendre, et comment ses parents l'affectent d'une manière qu'ils préfèrent ignorer ou rationaliser. L'amitié de Paul avec une camarade de classe noire (Jaylin Webb) est douce et naïve, jusqu'à ce que les circonstances très différentes de leur vie les poussent dans des directions opposées, et la culpabilité apparente de Gray suggère que ce désaccord n'est peut-être pas si passif. Quant aux parents, ils pèsent constamment leurs principes et leurs pratiques, abandonnant les écoles publiques qu'ils prétendent ne pas être supérieures et méprisant celles qu'ils prétendent soutenir. Gray refuse d'effacer les rides inquiétantes d'un passé imparfait, et l'honnêteté est la clé d'une belle vérité dans chaque image de cette promenade de mémoire clairement observée.
En tant que titre le plus en vogue du festival, le retour de David Cronenberg dans son royaume de l'horreur corporelle ressemble à un retour dans un sens plus large - un grand homme né du mont Olympe Artist, rappelant comment tous ces prétendants et poseurs le font. Viggo Mortensen et Léa Seydoux jouent un couple d'artistes de performance avec une performance effrayante : elle manipule la télécommande d'une machine chirurgicale, ouvrant la porte à des spectateurs en blouse et smoking, retirant les horribles nouveaux organes que son corps a produits. Syndrome d'évolution accélérée. En tant que premier film d'artiste non métaphorique de Cronenberg, il est à la fois alléchant et satisfaisant de projeter sa propre vision du statu quo du cinéma dégénéré au thé faible sur ses personnages et leurs positions (beaucoup de ses oreilles greffées ne peuvent même pas entendre !) Des imitateurs debout colportant des imitations de son style.
Mais même après une pause de huit ans, Cronenberg continue de suivre des cours seul. Ses méthodes deviennent de plus en plus étranges et s'éloignent de la gamme de genres hétérosexuels dans lesquels certains fans voudraient qu'il s'intègre. Tout le monde (en particulier Timlin, l'humouristique de Kristen Stewart) parle en slogans baroques ou en passages théoriques ; « Contagion – qu'est-ce qui ne va pas avec eux ? » est un favori instantané. La texture du film a un éclat réfléchissant en plastique artificiel, adapté à une scène d'ouverture avec un enfant mangeant dans une corbeille à papier. Le monde de demain est littéralement et mentalement mal nourri, les plages grecques sont jonchées de bateaux rouillés au léger goût dystopique, et les matériaux synthétiques sont notre source ultime de nourriture. Incroyablement, Cronenberg creusait dans la vraie vie en écrivant ce scénario avant son récent article du Guardian sur les microplastiques, mais ses prédictions ne feront que devenir plus puissantes à mesure que la planète s'enfoncera davantage dans ses années crépusculaires. Au lieu de cela, il pourrait passer à autre chose pour toujours.
En parlant de corps et de leur potentiel terrifiant à se comporter de manière imprévisible et dégoûtante : ce documentaire du Sensory Ethnography Lab de Harvard (nous offre le voyage de pêche en haute mer Léviathan) offre un regard sans précédent sur le pays des merveilles glissant et visqueux que nous tenons pour acquis chaque jour dans plusieurs hôpitaux de Paris. Les réalisateurs Véréna Paravel et Lucien Castaing-Taylor facilitent le développement de nouvelles caméras miniatures capables de capturer des images plus fidèles de l'intestin grêle et de la lumière rectale, distinguant la différence entre la géométrie d'avant-garde pure et l'intensité viscérale qui s'échappe du théâtre. Oui, vous ne pouvez jamais oublier la scène de sondage urétral où une longue tige de métal est réglée en « mode Kalachnikov » et s'écrase dans l'urètre d'une personne, ou voir une aiguille percer l'iris de l'homme le plus courageux qui ait jamais nettoyé les globes oculaires sur terre. Mais si vous êtes comme moi, qui allez voir chaque nouveau film en cherchant à montrer quelque chose que vous n'avez jamais vu auparavant, il n'y a pas de meilleure garantie que ça.
De plus, ce n'est pas seulement un simple exploit grossier. Nous avons appris que les fonctions de l'hôpital lui-même sont aussi complexes et interconnectées que le corps humain, avec divers organes fonctionnant en harmonie. Pendant la stimulation de la prostate, nous entendons un chirurgien réprimander ses infirmières et aides-soignants pour des problèmes indépendants de sa volonté, un clin d'œil aux problèmes de sous-financement et de sous-effectif qui préoccupent tant les Américains en ce moment. Paravel et Castaing-Taylor se sont beaucoup intéressés aux activités de base de ces grandes institutions, les images les plus passionnantes provenant d'un point de vue d'une capsule de transfert de fichiers voyageant à travers un réseau de tubes pneumatiques sillonnant le bâtiment à une vitesse vertigineuse. La séquence de danse finale – parfaitement réglée sur « I'll Survive » – est comme un hommage à ce qu'une personne ordinaire pense de la classe ouvrière, comme son propre cœur battant involontairement, ce qui est invisible pour la continuation de la vie essentielle jusqu'à ce que nous nous arrêtions et réfléchissions à quel point il est incroyable de pouvoir aller de l'avant.
EO (prononcé ee-aw, je vous recommande vivement de le dire à voix haute plusieurs fois maintenant) est un âne et, eh bien, un très bon garçon. Le premier film du gourou polonais Jerzy Skolimowski, âgé de 84 ans, en sept ans, suit l'âne qui n'abandonne pas comme il le fait à la campagne, survivant et étant principalement témoin de l'épreuve. Si cela ressemble à une parodie de la sophistication profonde de l'académie d'art européenne - après tout, c'est un remake libre du classique de 1966 Au Hasard Balthazar - ne vous laissez pas décourager par le minimalisme froid. C'est un pur festin, aussi relaxant et méditatif que le lac glacé, avec un plan à couper le souffle suspendu à l'envers, transformant les arbres en gratte-ciels aux reflets saisissants. Un jeu de caméra expressif et époustouflant anime cette merveille de 88 minutes, régulièrement entrecoupée de stroboscopes de style EDM et d'expériences à charnière rouge.
Personne ne sous-estime le charme fondamental de la star à quatre pattes elle-même, unie par six acteurs animaux dans leur pureté sans fioritures et christique.EO mange des carottes.EO rencontre des hooligans du football qui pensent que l'herbe qui le remplit de bière et de fusils de chasse sera un gaz toxique.EO a tué un homme ! (Le voilà. Aucun jury ne le condamnera.) Il est difficile de ne pas aimer EO, ou de ne pas se consacrer aux mésaventures du clochard où il erre principalement en tant qu'observateur distant.Pris dans leur ensemble, les différents épisodes du film brossent le tableau d'une Pologne en crise spirituelle, de l'irréprochable Isabelle Huppert en belle-mère excitée à un prêtre licencié de manière inattendue.Mais il est tout aussi facile de se laisser aller à l'énergie apaisante émanant de notre nouveau héros âne, et au paysage naturel qu'il nous fait traverser lentement mais sûrement.Forever EO.
Après avoir reçu des éloges de la critique et des milliers de fans pour son travail sur « Normal », Paul Mezcal joue dans Anna Ross Holmer et Sarah Davis depuis 2016. , le premier film peu connu depuis The Fits présente un argument convaincant pour son propre statut de star de cinéma. Avec un charme léger, le prodigue Bryan de Mezcal cache les mauvaises choses en dessous alors qu'il retourne au village de pêcheurs irlandais qu'il a abandonné il y a des années pour un nouveau départ en Australie. Il voulait revenir au jeu de récolte d'huîtres de la ville dominé par l'usine de fruits de mer locale, alors il a persuadé sa mère qui y travaillait (Emily Watson, qui a fait un grand spectacle au festival) d'en concevoir pour lui-même. Utilisation de piège. Elle a confiance qu'il ne peut rien faire de mal et est heureuse d'accepter son petit plan, son léger relâchement moral qui sera bientôt mis à l'épreuve par des enjeux plus élevés.
Puis quelque chose d'horrible s'est produit, qu'il valait mieux garder secret, opposant les deux stars l'une à l'autre dans une vitrine de performance inhabituellement profonde, avec Watson étincelante alors qu'elle soupçonne qu'elle préférerait le manger. Davies et Holmer (le scénario dévastateur de Shane Crowley et Fodhla Cronin O'Reilly a guidé leur impression de l'Irlande) ont laissé la pression osmotique monter et monter jusqu'à une intensité insupportable, brûlant dans un point culminant choquant, ce qui nous laisse avec des questions troublantes sur la façon dont nous nous comportons dans la même situation. Pendant tout ce temps, nous pouvons profiter de la magnifique cinématographie de Chayse Irvin, trouvant des sources de lumière intelligentes dans de nombreuses scènes nocturnes et un éclat rugueux dans la lumière grise du jour. Il fait de son mieux pour filmer toutes les eaux menaçantes et interdites qui tournent autour de ce drame moral, un vide noir qui s'étend à l'infini, comme les profondeurs de l'âme humaine, sans compromis ni pitié.
Netflix serait fou de ne pas s'emparer du premier film de Lee Jung-jae, surtout connu pour son rôle dans le blockbuster « Squid Game ». (Mettez-le dans votre tube Algorithmic Synergy et fumez-le !) Ambitieux, sinueux, hystériquement violent, il appuie sur de nombreux boutons que Big Red N adore dans ses autres originaux après coup, et il utilise une échelle suffisamment grande - Magnifique en taille pour exploser le petit écran dans lequel il pourrait un jour vivre. L'épopée d'espionnage se déroule à une période particulièrement tumultueuse de l'histoire de la Corée du Sud, lorsqu'une dictature militaire a réprimé les manifestants et leurs crânes et que les tensions ont de nouveau éclaté avec son voisin hostile du nord. Au milieu du chaos, un jeu du chat et de la souris a éclaté au sein de la CIA sud-coréenne, avec le chef du département des affaires étrangères (Lee Jung-jae, en poste simultanément) et le chef du département intérieur (Jung Woo-sung, qui est déjà apparu dans une telle situation) sur le web drama « Steel Rain ». et Iran : La Brigade des Loups) se précipitent pour débusquer les taupes qu'ils croient tous deux se cacher dans l'équipe adverse.
Alors que leur enquête traverse une série de fausses pistes et d'impasses, culminant dans un complot d'assassinat présidentiel, deux agents d'élite réfléchissent ensemble pour s'élever vers un plan divin. Je ne peux pas insister suffisamment sur le nombre impressionnant de morts dans les deux heures et demie du film, comme si Lee était contractuellement obligé de faire exploser au moins 25 personnes dans chaque scène. Il orchestre ces symphonies de carnage avec une expertise à l'ancienne, en gardant les CGI au minimum et en maximisant les packs de pétards en si grand nombre que l'industrie reste rentable pour les années à venir. Les scripts labyrinthiques exigent chaque grain de votre attention, et les exigences de durée d'exécution sont si élevées, mais ceux qui ne sont pas déstabilisés par la convolution peuvent goûter les échantillons inhabituellement bruts des images d'espionnage. (Et ceux qui se perdent peuvent toujours être baignés de sang.)
C'est un film vraiment étrange, mec : le prochain documentaire de Brett Morgan sur David Bowie pour HBO ne peut même pas correspondre à cette simple description, il ressemble plus à un collage rapide d'images et de références, comme un système solaire tournant autour d'un Le musicien le plus fascinant de l'histoire. Les premières minutes passent par une série de collages de clips qui présentent non seulement l'alien art-rock lui-même, mais tous les indices qui pourraient nous donner tout son indescriptible arrière-plan gestalt. En plus de la vidéo « Ashes to Ashes » ou de la performance live de « All the Young Dudes », nous pouvons également capturer des indices de classiques du cinéma muet tels que Nosferatu (un outsider dégingandé craint par les places ordinaires), Metropolis (un Bowie dans le minimalisme industriel allemand berlinois privilégié par l'époque), ou le Dr Mabus le joueur (un autre artefact de Weimar sur un homme qui peut jeter un sort sur son public). Même si ces connexions semblent fragiles, nous pouvons leur donner du sens et retirer toutes les idées que nous tirons de ces tests de Rorschach de la culture pop.
FrançaisAlors que le film se déroule pendant ses deux heures et demie certes extra-longues, il passe de l'expérimental à la routine. La première heure se concentre sur des thèmes généraux tels que la bisexualité de Bowie ou ses sensibilités vestimentaires, et le reste est organisé chronologiquement, nous emmenant à travers les séjours à Los Angeles et en Allemagne de l'Ouest, sa relation avec le mariage du mannequin unique Iman, et son tournant dans les années 90 était le populisme. (Son flirt avec la cocaïne est respectueusement ignoré, cependant.) Ces sections fournissent un cours intensif utile pour les novices de Bowie, et pour ceux qui sont déjà compétents, c'est une revisite de certaines des saucisses glacées qu'il fait bien. des dizaines de. La couverture complète de 5 ans d'une rock star par Morgan n'a pas beaucoup de révélations majeures, mais les manières associatives libres qu'il aborde peuvent encore revigorer un mystère qui ne se démodera pas de toute façon.
Chaque film roumain raconte à quel point il est terrible de vivre en Roumanie, un pays au gouvernement corrompu, aux infrastructures publiques dysfonctionnelles et aux villageois grincheux et haineux. Le dernier film de l'ancien lauréat de la Palme d'Or Cristian Mungiu, qui reste le seul réalisateur du pays à avoir remporté le premier prix du festival, se concentre sur le dernier volet. Dans une petite communauté isolée quelque part en Transylvanie, une cocotte-minute exclusive risque d'exploser une fois que des migrants sri-lankais arrivent en ville pour travailler dans une boulangerie locale. La réaction des habitants ressemblait à un courant de conscience raciste que les Américains comprendraient comme des proches parents de l'idéologie trumpiste : ils sont venus prendre nos emplois (aucun d'entre eux n'a pris la peine de prendre le leur), ils voulaient nous remplacer, ce sont des agents de puissances étrangères malveillantes. Des images uniques époustouflantes lors d'une réunion municipale déchaînent une rivière de bile, et le masque de la logique descend lentement alors que les citoyens admettent qu'ils ne veulent tout simplement voir personne de différent.
Si cela ressemble à une bataille difficile et misérable, il y a suffisamment de feu idéologique et de photographie cool et magistrale pour captiver même les festivaliers les plus épuisés. Mungiu nous emmène à travers des bois enneigés et des routes pavées de terre, les photographiant tous d'une manière détachée qui peut évoquer des images de beauté aussi facilement que de laideur. L'intrigue est plus fleurie que le siège politique pourrait le suggérer. Les ours jouent un rôle important, tout comme le jeu de violoncelle d'un propriétaire de boulangerie. Au centre d'un film aux principes partisans forts, elle fait également partie d'un dilemme moral, et son altruisme envers les immigrants pourrait être un écran de fumée pour exploiter ce qu'elle considère finalement comme une main-d'œuvre à bas prix. Personne n'est particulièrement bien sorti de ce film, un pessimisme fort et sans compromis que nous ne pouvions pas obtenir de la production cinématographique d'Hollywood, ou d'ailleurs, du circuit indépendant américain. Une Amérique comme celle-ci n'existera jamais, même si les pathologies nationales sont si similaires que nous pourrions aussi bien nous regarder dans un miroir brisé.
Prenez la satire du monde de l'art, où toute la rivalité, le ressentiment mesquin et le désespoir absolu sont implicites et réduits aux termes les moins risqués imaginables. De plus, Michelle Williams est probablement le meilleur rôle de sa carrière. Ensuite, supprimez autant d'action que le scénario peut supporter sans le briser, comme pour le public qui a trouvé le précédent long métrage de la réalisatrice Kelly Reichardt, « First Cow », trop excitant. La publicité a été faite. Telle est la longueur de ce délicat portrait d'une femme confrontée aux limites de ses talents dans un domaine qui ne semble pas la concerner. Williams joue le rôle de Lizzy Carr, une petite sculptrice en difficulté de l'Institut des Arts et Métiers de l'Oregon, aujourd'hui disparu, qui tente de s'aligner sur l'exposition à venir, mais ce qu'elle voit Les distractions sont partout : son propriétaire/ami (Hong Chau, de plus en plus le premier est meilleur que le second) ne veut pas réparer son chauffe-eau, un pigeon blessé a besoin de ses soins et de son attention constants, la condescendance calme et sans chichis de l'artiste en visite la rend folle.
Mais le coup de génie tragique de Reichardt réside dans sa suggestion que Lizzy pourrait ne pas être faite pour ça. Ses sculptures ne sont pas mauvaises, elles ne brûlent pas d'un côté lorsque le four chauffe de manière inégale. Son père (Judd Hirsch) est un potier réputé, sa mère (Marian Plunkett) dirige le département et son frère mentalement instable (John Magga) Law) a l'étincelle d'inspiration pour laquelle Lizzie doit se battre. L'exposition de la Climax Gallery - bien qu'utilisant même le mot « Climax » pour décrire un film si résolument discret et cool dans l'ambiance de la ville universitaire de la côte ouest - s'est déroulée comme une farce légère, les petites insultes de sa vie empilées les unes contre les autres alors qu'elle siffle à son frère pour la laisser se détendre du fromage gratuit. Pour Reichardt, professeur de longue date de Bard, l'ironie de sa propre approximation est plus émouvante que caustique, caractérisée par une certaine appréciation pour tout cadre qui permet aux excentriques ambitieux d'être eux-mêmes à leur époque.
Le meilleur générique appartient à ce psychodrame d'Agnieszka Smoczyńska, la star polonaise la mieux gardée, qui fait avec succès sa première incursion en anglais. Chaque nom est lu puis commenté par plusieurs voix d'adolescents qui murmurent : « Oh, j'adore ce nom ! Par exemple, le visage souriant de Michael apparaît à l'écran. Ce n'est pas seulement un bon point non plus. Il s'agit d'une introduction à l'univers de Lonely Island créé et habité par June (Leitia Wright) et Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, un couple de filles noires qui ont littéralement vécu au Pays de Galles dans les années 70 et 80. Se réfugiant dans leur relation et tombant dans un état de réticence sélective dans un petit village entièrement blanc, leur retrait discret de leur environnement les conduit finalement dans le chaos tragique de l'asile de Broadmoor. Dans ce récit authentique, Smoczyńska et l'auteur Andrea Seigel explorent l'intériorité psychologique inhabituelle que partagent les filles, imaginant ce que de telles expériences extrêmes pourraient ressentir de l'intérieur.
Comme elles doivent l'être pour les filles, la rupture de réalisme éblouit d'une manière que la monotonie de leur quotidien ne peut égaler. Des images en stop-motion extrêmement froissées montrent des silhouettes à têtes d'oiseaux errant dans les dimensions du papier crépon et du feutre, et des figures musicales occasionnelles traduisent l'état intérieur de détresse des sœurs dans un langage déclaratif, un chœur grec. (Identique au brillant spectacle de sirènes tueuses et de strip-teaseuses de Smoczyńska, The Lure, de Pologne.) June et Jennifer s'imaginent entrer dans un sanctuaire saturé de couleurs où tout peut être parfait, jusqu'à ce que le choc revienne à la vie réelle et nous soit sous le choc. Dans une réalité romantique, des athlètes tentent de faire de la gymnastique avec des filles protégées après les avoir encouragées. Alors que leur situation commune se détériore et que les tribunaux les séparent, nous ne pouvons que voir des forces hostiles détruire leurs refuges privés, une série de saltos formels qui ont émergé au milieu des commentaires sur le manque de services de santé mentale au Royaume-Uni.
Mad Max est désormais derrière lui, et George Miller est de retour avec ce conte de fées moderne improbable mettant en scène un homme nommé Alicia Binney (Tilda Swinton, en pleine forme) et le Génie (Idris Elba, Resplendissant et Géant) qu'elle venait de libérer de la bouteille qu'elle avait acquise la veille au bazar d'Istanbul. Vous connaissez la chanson, il est là pour exaucer ses trois vœux et la laisser en user à sa guise, mais parce qu'elle connaît aussi la chanson, elle refuse de tomber dans des pièges « prudents ». Pour la convaincre de sa bonne volonté, il a concocté une histoire fantastique sur la façon dont il a passé les trois derniers millénaires, une extravagance en images de synthèse qui, à tout moment, surpasse la plupart des projets de studio de ce type sur toute sa durée. On peut faire appel à plus d'imagination. Du château de la reine de Saba à la cour de l'empereur Soliman le Magnifique, magie, intrigue et passion traversent les voyages à travers l'ancien Moyen-Orient.
Mais ce merveilleux voyage a une destination inattendue qui culmine dans l'histoire d'amour subtile de ces deux personnes capricieuses partageant les mêmes idées. Ils brisent leur solitude en partageant la joie de raconter des histoires, et la structure narrative imbriquée de Miller les pousse à faire un effort supplémentaire. Comme Alithea l'a expliqué dans une conférence universitaire au début du film, nous inventons des mythes pour donner un sens au monde déroutant qui nous entoure, et Miller a accompli un exploit considérable en combinant ce sentiment de crainte avec Le sens de l'invention apporte la connaissance dans un monde moderne étouffé par la technologie. Bien sûr, les cinéastes ne sont pas des Luddites ; les accros aux effets visuels seront captivés par l'utilisation astucieuse des embellissements numériques et des créations à grande échelle, qu'il s'agisse des images époustouflantes de la poursuite d'une bouteille dans l'océan depuis la griffe d'un oiseau, ou de la transformation en une araignée gigeresque. Le carburant cauchemardesque instantané de l'assassin mutant se dissout ensuite dans une mare de scarabées.
Riley Keough rejoint Gina Gammell dans le fauteuil du réalisateur pour un début prometteur pour la prochaine phase de leur carrière. (Les deux ont déjà un autre projet commun en préparation.) Ils ont ignoré toute trace de vanité hollywoodienne, et la tribu Oglala Lakota gagne sa vie dans cette réserve néoréaliste de Pine Ridge dans le Dakota du Sud. Ils peuvent. Pour le jeune Matho (LaDainian Crazy Thunder) et le plus âgé Bill (Jojo Bapteise Whiting), cela signifie principalement voler et vendre de la drogue, vendre de petites quantités de méthamphétamine, passer des heures dans des fermes et des usines de dindes à proximité, ou vendre des caniches par élevage pour jouer plus longtemps au jeu. Quand on n'a pas d'argent pour faire quoi que ce soit, il n'y a plus rien à faire, un fait que comprennent la plupart des films qui se contentent de traîner avec des jeunes, cherchant juste quelque chose pour remplir leur temps libre.
Si cela ressemble à des outsiders Keough et Gammell qui romancent excessivement la pauvreté ou vont dans la direction opposée de l'exploitation, détrompez-vous ; après les scénaristes Bill Reddy et Franklin Sue Bob (Guidé par Sioux Bob) et un casting de vrais résidents de Pine Ridge, ils enfilent habilement des points de tonalité difficiles sans se concentrer sur les tons difficiles. Ces personnages doivent faire face à beaucoup de merde de la part des adultes qui les entourent - le père parfois violent de Mato, le patron blanc de Bill - mais comme les jeunes dans la vraie vie, une fois qu'ils peuvent continuer à traîner et à faire des farces, la misère viendra Glissant sur leur dos avec leurs amis. Un point culminant détaché réaffirme les intentions les plus viles du film de célébrer et d'autonomiser les personnes marginalisées par une société dominée par les blancs qui les considère avec dédain lorsqu'elles les considèrent. Les cerveaux de réalisateur Keough-Gammell sont là pour rester, et espérons qu'il en sera de même pour leurs collaborateurs charismatiques, l'acteur laïc le plus en vue que nous ayons vu depuis The Rider de Chloe Zhao.
Date de publication : 02/06/2022
