À voir ou à zapper : « The Perfect Match » sur Netflix, comédie romantique mettant en vedette l’ancienne star de Nickelodeon Victoria Justice et le beau gosse de « Sex/Life », Adam Demo
À voir ou à éviter : « Respect » sur Amazon Prime Video, avec Jennifer Hudson en tête d'affiche de cette biographie décevante d'Aretha Franklin.
À voir ou à éviter : « Gamestop : Rise of the Gamers » sur Hulu, un documentaire hilarant où des outsiders renversent des géants maléfiques.
À voir ou à éviter : « Elon Musk Crash Course » sur FX/Hulu, le New York Times publie des documents sur les problèmes liés à la technologie de conduite autonome de Tesla
À voir ou à éviter : « Les péchés des Amish » sur Peacock, une série documentaire sur les abus sexuels chroniques au sein de la communauté Amish
À voir ou à éviter : « Look at me: XXXTentacion » sur Hulu, un documentaire sur la vie et la carrière fulgurante du regretté rappeur
« Randy Rhoads : Réflexions sur une icône de la guitare » examine la courte vie et l'immense impact du guitariste original d'Ozzy Osbourne.
À voir ou à éviter : « Teen Titans Go! & DC Super Hero Girls : Chaos dans le Multivers » en VOD, un film crossover colossal avec environ 1 million de personnages
À voir ou à éviter : Sonic le Hérisson 2 sur Paramount+, une suite plus captivante et plus bruyante, avec plus de licences et moins de rires.
Explication de la fin de « We Own the City » : Jon Bernthal, David Simon et d’autres répondent à vos questions les plus brûlantes
Joy Behar s'en prend violemment à Sara Haines lors d'un débat houleux sur le contrôle des armes à feu au sujet des « opinions » : « Arrêtez de vous préoccuper de la santé mentale ! »
Cette année, le Festival de Cannes – la première édition du festival de cinéma le plus admiré au monde – a produit beaucoup de bons films et de petits chefs-d'œuvre, et j'attribue cette relative insignifiance au goulot d'étranglement inversé de la COVID, qui a suspendu les années 2020. La production reprend désormais. De l'avis de votre humble critique, une sélection a priori prestigieuse a certes produit un chef-d'œuvre (coucou, Age apocalyptique de James Gray) et de multiples échecs qui dépassent la simple médiocrité pour frôler l'atteinte morale (bien que le drame poignant Tori and Lokita et le thriller Holy Spider, qui met en scène un travailleur du sexe et un meurtre, aient inexplicablement leurs adeptes). Traditionnellement, ces prix récompensent les mauvais films, comme la satire mordante de Ruben Östlund, Le Triangle des douleurs, en 2017, face à The Square. Parmi les projections les plus inquiétantes de ce festival de milieu de gamme, je suis certain que l'année prochaine nous réserve des blockbusters signés par des réalisateurs de renom.
Mais à quoi bon se plaindre, quand on peut contempler avec mélancolie les vagues saphir de la Méditerranée au petit matin, et tenter de ne pas se ridiculiser en discourant avec Julianne Moore lors d'une soirée cocktail ? Quant aux films eux-mêmes, les séances d'essai offrent des moments forts exceptionnels, comme un voyage fascinant au cœur du corps humain – croyez-le ou non, je ne parle pas du dernier film de David Cronenberg – et une immersion dans l'univers onirique et luxuriant de Psychological Silhouette. Certains des douze films présentés ci-dessous ont déjà décroché une distribution en salles aux États-Unis et sortiront en 2022. D'autres titres restent à sélectionner et pourraient bien devenir des incontournables des plateformes de streaming dans la frénésie des promotions post-fêtes. (Vous seriez surpris du nombre de meilleures acquisitions étrangères de Netflix qui font sensation au Palais des Festivals pour la première fois.) Découvrez ci-dessous une analyse des 12 premières les plus prometteuses venues du sud ensoleillé de la France, où les meilleurs films et séries font sensation. Profitez au maximum de votre temps passé à l'intérieur, dans le noir, pendant des heures.
Après avoir repoussé les limites des problèmes paternels dans « Astra », James Gray ancre son exploration des relations père-fils dans un récit personnel plus concret et immédiat. Dans ce roman autobiographique, l'une de ses œuvres les plus émouvantes, il recrée les films new-yorkais de son enfance sur une période indéterminée. Le jeune Paul Graff (Michael Banks Repeta, une véritable révélation), un jeune Juif, rêve de transformer un jour ses graffitis de fusées en une œuvre d'art majeure. Mais les aléas du quotidien le tiennent occupé : des parents (Anne Hathaway et Jeremy Strong, tous deux excellents) qui veulent qu'il se repose à l'école, un grand-père adoré (Anthony Hopkins) à la santé fragile qui le transfère dans une université privée fréquentée par des intellectuels nostalgiques de l'ère Reagan. Gray retranscrit le tout avec une précision remarquable (lui et son équipe ont construit une réplique à l'échelle de son ancienne maison sur le plateau de tournage à partir de films de famille et de vieilles photos), une intimité plus poignante encore que le monologue déchirant lui-même. C'est comme espionner quelqu'un. la mémoire des autres.
Surtout, Gray observe les choix de son fils à travers le regard lucide des adultes. Le cœur moral du film réside dans la question des classes sociales : leur influence subtile sur Paul, qu’il ne perçoit pas, et l’impact que ses parents ont sur lui, qu’ils préfèrent ignorer ou justifier. L’amitié de Paul avec une camarade de classe noire (Jaylin Webb) est douce et naïve, jusqu’à ce que leurs vies, radicalement différentes, les éloignent l’un de l’autre. La culpabilité apparente de Gray laisse alors penser que ce désaccord est loin d’être anodin. Quant aux parents, ils pèsent sans cesse leurs principes et leurs actes, délaissant les écoles publiques qu’ils jugent pourtant équivalentes et méprisant ceux qu’ils prétendent soutenir. Gray refuse d’effacer les zones d’ombre d’un passé imparfait, et l’honnêteté est la clé d’une vérité poignante dans chaque plan de ce voyage nostalgique d’une grande finesse.
Film phare du festival, le retour de David Cronenberg à son univers d'horreur corporelle sonne comme un retour aux sources – celui d'un grand homme né sur le mont Olympe, un artiste qui nous rappelle comment tous ces imposteurs et poseurs s'y prennent. Viggo Mortensen et Léa Seydoux incarnent deux performeurs à la performance troublante : elle manipule la télécommande d'une machine chirurgicale, ouvrant la porte à des spectateurs en robes et smokings, et prélevant les horribles nouveaux organes que son corps a produits. Syndrome d'évolution accélérée. Premier film d'artiste non métaphorique de Cronenberg, il est à la fois fascinant et satisfaisant de projeter sa propre vision du statu quo d'un cinéma dégénéré et médiocre sur ses personnages et leurs positions (nombre de ses oreilles greffées sont même sourdes !). Des imitateurs sans scrupules colportent des copies de son style.
Même après huit ans d'absence, Cronenberg continue de suivre des cours en solitaire. Ses méthodes deviennent de plus en plus étranges et s'éloignent des genres classiques auxquels certains fans voudraient le voir appartenir. Tous les personnages (surtout Timlin, interprétée avec humour par Kristen Stewart) s'expriment par des formules baroques ou des passages théoriques ; « Contagion – qu'est-ce qui ne va pas chez eux ? » est instantanément devenu culte. La texture du film présente un éclat plastique artificiel, parfait pour une scène d'ouverture où un enfant mange dans une poubelle. Le monde de demain est littéralement et mentalement sous-alimenté, les plages grecques sont jonchées de bateaux rouillés à l'atmosphère légèrement dystopique, et les matériaux synthétiques constituent notre ultime source de nourriture. Chose incroyable, Cronenberg puisait son inspiration dans la réalité en écrivant ce scénario avant même son récent article du Guardian sur les microplastiques, mais ses prédictions ne feront que gagner en pertinence à mesure que la planète s'enfoncera dans son crépuscule. Il pourrait aussi bien passer à autre chose pour toujours.
En parlant de corps et de leur terrifiant potentiel à se comporter de manière imprévisible et répugnante : ce documentaire du Laboratoire d’ethnographie sensorielle de Harvard (qui nous offre le voyage de pêche en haute mer du Léviathan) propose un regard inédit sur le monde glissant et visqueux que nous côtoyons au quotidien dans plusieurs hôpitaux parisiens. Les réalisateurs Véréna Paravel et Lucien Castaing-Taylor ont facilité le développement de nouvelles caméras miniatures capables de capturer des images plus précises de l’intestin grêle et du rectum, révélant la différence entre la géométrie avant-gardiste et l’intensité viscérale qui dépasse le cadre du théâtre. Impossible d’oublier la scène du sondage urétral où une longue tige métallique, en « mode Kalachnikov », s’abat sur l’urètre, ni celle de l’aiguille perçant l’iris de l’homme le plus courageux jamais vu en train de nettoyer un globe oculaire. Mais si, comme moi, vous allez voir chaque nouveau film en espérant découvrir quelque chose d’inédit, il n’y a pas de meilleure garantie.
De plus, il ne s'agit pas d'une simple exploitation grossière. Nous avons appris que le fonctionnement d'un hôpital est aussi complexe et interconnecté que celui du corps humain, avec divers organes fonctionnant en harmonie. Lors d'une stimulation de la prostate, on entend un chirurgien réprimander ses infirmières et aides-soignantes pour des problèmes indépendants de sa volonté, un clin d'œil aux problèmes de sous-financement et de manque de personnel qui préoccupent tant les Américains actuellement. Paravel et Castaing-Taylor se sont beaucoup intéressés aux activités de base de ces grandes institutions, les images les plus saisissantes étant filmées du point de vue d'une capsule de transfert de fichiers voyageant à une vitesse fulgurante à travers un réseau de tubes pneumatiques sillonnant le bâtiment. La séquence de danse finale – parfaitement mise en musique par « I'll Survive » – est comme un hommage à la perception qu'une personne ordinaire a de la classe ouvrière, à l'image de son propre cœur qui bat involontairement, invisible à la poursuite de l'essentiel jusqu'à ce que l'on s'arrête pour réfléchir à la chance que nous avons de pouvoir aller de l'avant.
EO (prononcé « i-aw », je vous recommande vivement de le prononcer à voix haute plusieurs fois) est un âne, et un très bon garçon. Le premier film en sept ans du maître polonais Jerzy Skolimowski, âgé de 84 ans, suit cet âne tenace dans son périple à la campagne, survivant la plupart du temps et assistant aux épreuves. Si cela ressemble à une parodie de la sophistication des académies d'art européennes – après tout, c'est un remake libre du classique de 1966, Au Hasard Balthazar – ne vous laissez pas rebuter par le minimalisme froid. C'est un pur régal, aussi relaxant et méditatif qu'un lac gelé, avec un plan époustouflant où la caméra, suspendue la tête en bas, transforme les arbres en gratte-ciel aux reflets saisissants. Une mise en scène expressive et époustouflante anime ce chef-d'œuvre de 88 minutes, régulièrement ponctué de stroboscopes façon EDM et d'expérimentations visuelles audacieuses.
Personne ne sous-estime le charme naturel de la star à quatre pattes, incarnée par six animaux dans leur pureté christique et sans artifice. EO mange des carottes. EO croise des hooligans qui prennent l'herbe qui le remplit de bière et de fusils pour un gaz toxique. EO a tué un homme ! (Le voilà. Aucun jury ne le condamnera.) Difficile de ne pas aimer EO, ou de ne pas se passionner pour les mésaventures de ce vagabond qu'il erre principalement en observateur distant. Pris dans leur ensemble, les différents épisodes du film dressent le portrait d'une Pologne en crise spirituelle, de l'irréprochable Isabelle Huppert en belle-mère lubrique à un prêtre renvoyé de façon inattendue. Mais il est tout aussi facile de se laisser bercer par l'énergie apaisante qui émane de notre nouvel âne héros, et par les paysages naturels qu'il nous fait traverser lentement mais sûrement. À jamais EO.
Après avoir été salué par la critique et conquis des milliers de fans grâce à son rôle dans « Normal », Paul Mezcal a joué aux côtés d'Anna Ross Holmer et de Sarah Davis depuis 2016. Ce film, peu connu et son premier depuis « The Fits », s'impose comme une véritable star. Avec un charme désarmant, Bryan, le fils prodigue incarné par Mezcal, dissimule une part d'ombre lorsqu'il retourne dans le village de pêcheurs irlandais qu'il a quitté des années auparavant pour un nouveau départ en Australie. Désireux de reprendre le travail dans la pêche aux huîtres, activité dominée par l'usine de produits de la mer locale, il persuade sa mère, qui y travaille (Emily Watson, remarquable lors du festival), de lui concevoir des pièges à huîtres. Convaincue de son innocence, elle accepte volontiers son petit projet, une légère tolérance morale qui sera bientôt mise à rude épreuve par des enjeux bien plus importants.
Puis un événement horrible se produit, qu'il vaut mieux taire, opposant les deux stars dans une performance d'une rare intensité. Watson y brille de mille feux, soupçonnant qu'elle préférerait le dévorer. Davies et Holmer (dont l'interprétation de l'Irlande a été guidée par le scénario bouleversant de Shane Crowley et Fodhla Cronin O'Reilly) laissent la tension monter crescendo jusqu'à un point culminant choquant, nous laissant face à des questions troublantes sur notre propre comportement dans une situation similaire. Parallèlement, nous pouvons admirer la magnifique photographie de Chayse Irvin, qui exploite intelligemment les sources de lumière dans de nombreuses scènes nocturnes et confère une brillance brute à la lumière grise du jour. Il s'efforce de filmer toute l'atmosphère inquiétante et menaçante qui imprègne ce drame moral, un vide abyssal qui s'étend à l'infini, à l'image des profondeurs de l'âme humaine, sans compromis ni pitié.
Ce serait une erreur de la part de Netflix de ne pas s'emparer du premier film réalisé par Lee Jung-jae, surtout connu pour son rôle dans leur blockbuster « Squid Game » (un film à savourer sans modération !). Ambitieux, sinueux et d'une violence hystérique, il coche toutes les cases de ce que Netflix affectionne dans ses autres productions originales, et son ampleur est telle qu'il pourrait bien enflammer le petit écran sur lequel il pourrait un jour être diffusé. Cette épopée d'espionnage se déroule à une période particulièrement tumultueuse de l'histoire de la Corée du Sud, alors qu'une dictature militaire réprime violemment les manifestants et que les tensions s'exacerbent avec son voisin hostile du Nord. Au milieu de ce chaos, un jeu du chat et de la souris s'engage au sein de la CIA sud-coréenne, entre le chef du département des affaires étrangères (Lee Jung-jae, qui occupe simultanément ce poste) et le chef du département des affaires intérieures (Jung Woo-sung, qui a déjà joué dans une situation similaire). La Brigade des Loups se lance dans une course contre la montre pour débusquer les taupes qu'ils soupçonnent tous deux de se cacher dans l'équipe adverse.
Alors que leur enquête les mène à travers une série de fausses pistes et d'impasses, culminant avec un complot d'assassinat présidentiel, deux agents d'élite unissent leurs efforts pour atteindre un niveau de puissance quasi divin. Je ne saurais trop insister sur le nombre impressionnant de morts dans les deux heures et demie du film, comme si Lee était contractuellement tenu de faire exploser au moins 25 personnes dans chaque scène. Il orchestre ces symphonies de carnage avec une expertise à l'ancienne, minimisant les effets spéciaux numériques et maximisant l'utilisation des effets pyrotechniques à un tel point que l'industrie restera rentable pendant des années. Les scénarios labyrinthiques exigent toute votre attention, et la durée du film est conséquente, mais ceux qui ne sont pas déroutés par la complexité peuvent apprécier les extraits particulièrement crus de films d'espionnage. (Et ceux qui s'y perdent peuvent toujours se baigner dans le sang.)
C'est un film vraiment bizarre, mec : le documentaire de Brett Morgan sur David Bowie, diffusé prochainement sur HBO, est indescriptible. C'est plutôt un collage rapide d'images et de références, comme un système solaire gravitant autour du musicien le plus fascinant de l'histoire. Les premières minutes enchaînent une série de clips présentant non seulement l'extraterrestre du rock alternatif lui-même, mais aussi des indices qui pourraient nous éclairer sur son parcours indescriptible. Outre le clip d'« Ashes to Ashes » ou la performance live de « All the Young Dudes », on y retrouve des références à des classiques du cinéma muet comme Nosferatu (un marginal dégingandé craint par les gens ordinaires), Metropolis (un Bowie berlinois imprégné de minimalisme industriel allemand, très en vogue à l'époque), ou encore le Dr Mabus le Joueur (un autre vestige de la République de Weimar, l'histoire d'un homme capable de fasciner son public). Même si ces liens semblent ténus, on peut leur donner du sens et tirer des enseignements de ces tests de Rorschach de la culture pop.
Au fil de ses deux heures et demie, certes un peu longues, le film oscille entre expérimentation et routine. La première heure s'attarde sur des thèmes généraux comme la bisexualité de Bowie ou son sens du style, tandis que le reste, organisé chronologiquement, nous plonge dans ses séjours à Los Angeles et en Allemagne de l'Ouest, sa relation avec le mannequin Iman, leur mariage, et son tournant dans les années 90 avec le populisme. (Son flirt avec la cocaïne est, par respect, passé sous silence.) Ces sections offrent une introduction utile aux néophytes de Bowie, et pour les connaisseurs, c'est l'occasion de redécouvrir certains de ses morceaux cultes. Le documentaire de Morgan, qui retrace cinq années de la vie d'une star du rock, ne révèle pas grand-chose, mais son approche libre et associative parvient à raviver un mystère qui, de toute façon, ne se démodera jamais.
Chaque film roumain décrit la vie terrible en Roumanie, pays gangrené par la corruption, les infrastructures publiques défaillantes et les villageois rongés par la haine. Le dernier film de Cristian Mungiu, Palme d'Or à ce jour et seul réalisateur roumain à avoir remporté la plus haute distinction du festival, s'intéresse à l'ultime épisode de cette situation. Dans une petite communauté isolée de Transylvanie, une situation explosive menace d'éclater lorsque des migrants sri-lankais arrivent pour travailler dans une boulangerie locale. La réaction des habitants, teintée de racisme, rappelle étrangement l'idéologie trumpiste : « Ils sont venus nous voler nos emplois (aucun n'a daigné prendre le sien !), ils veulent nous remplacer, ce sont des agents de puissances étrangères malveillantes. » Des images saisissantes, filmées lors d'une réunion publique, déchaînent un flot de haine, et le masque de la logique se brise peu à peu lorsque les citoyens admettent leur refus de voir la différence.
Si cela ressemble à une lutte acharnée et ardue, la ferveur idéologique et la maîtrise photographique du film suffisent à captiver même les festivaliers les plus épuisés. Mungiu nous emmène à travers des forêts enneigées et des chemins de terre, les photographiant avec un détachement qui évoque aussi bien la beauté que la laideur. L'intrigue est plus romanesque que ne le suggère le siège politique. Les ours y jouent un rôle important, tout comme le violoncelle du boulanger. Au cœur d'un film aux convictions partisanes affirmées, elle est confrontée à un dilemme moral, et son altruisme envers les immigrés pourrait bien n'être qu'un écran de fumée pour exploiter ce qu'elle considère finalement comme une main-d'œuvre à bas coût. Personne ne sort grandi de ce film, qui dépeint un pessimisme profond et intransigeant, absent de la production hollywoodienne et, d'ailleurs, du circuit indépendant américain. Une telle Amérique n'existera jamais, bien que les pathologies nationales soient si similaires qu'on pourrait tout aussi bien se regarder dans un miroir brisé.
Imaginez une satire du monde de l'art, où toute la rivalité, le ressentiment mesquin et le désespoir absolu sont sous-entendus et réduits à leur plus simple expression. De plus, Michelle Williams y livre probablement le meilleur rôle de sa carrière. Puis, supprimez autant d'action que le scénario peut en supporter sans le dénaturer, comme pour un public qui aurait trouvé le précédent long métrage de la réalisatrice Kelly Reichardt, « First Cow », trop palpitant. La promotion a été assurée. Telle est la longueur de ce portrait délicat d'une femme confrontée aux limites de son talent dans un domaine qui semble n'avoir rien à voir avec elle. Williams incarne Lizzy Carr, une sculptrice en difficulté de l'Oregon Institute of Arts and Crafts, aujourd'hui disparu, qui tente de s'associer à la prochaine exposition, mais ce qu'elle voit… Les distractions sont partout : son propriétaire/ami (Hong Chau, le premier étant de plus en plus préférable au second) refuse de réparer son chauffe-eau, un pigeon blessé a besoin de ses soins constants, et la condescendance calme et détachée de l'artiste invitée la rend folle.
Mais le coup de génie tragique de Reichardt réside dans sa suggestion que Lizzy n'est peut-être pas faite pour ça. Ses sculptures ne sont pas mauvaises, elles ne brûlent pas d'un côté lorsque le four chauffe de façon inégale. Son père (Judd Hirsch) est un potier réputé, sa mère (Marian Plunkett) dirige le département, et son frère mentalement instable (John Magga Law) possède l'étincelle d'inspiration pour laquelle Lizzie doit se battre. L'exposition à la galerie Climax — bien que l'utilisation même du mot « Climax » pour décrire un film si résolument discret et cool dans l'ambiance d'une ville universitaire de la côte ouest — s'est déroulée comme une farce douce, les petites insultes de sa vie s'empilant les unes contre les autres tandis qu'elle siffle à son frère de la laisser se détendre après le fromage gratuit. Pour Reichardt, la professeure de longue date de Bard, l'ironie de sa propre approximation est plus profonde que caustique, caractérisée par une certaine appréciation de tout cadre qui permet aux excentriques ambitieux d'être eux-mêmes à leur époque.
Le meilleur générique revient à ce psychodrame signé Agnieszka Smoczyńska, la réalisatrice polonaise encore méconnue, qui réussit brillamment sa première adaptation en anglais. Chaque nom est lu à voix haute, puis commenté par plusieurs voix adolescentes qui murmurent : « Oh, j’adore ce nom ! » Par exemple, le visage souriant de Michael apparaît furtivement à l’écran. Et ce n’est pas qu’un simple détail. C’est une introduction à l’univers de Lonely Island, créé et habité par June (Leitia Wright) et Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, deux jeunes filles noires ayant vécu au Pays de Galles dans les années 70 et 80. Se réfugiant dans leur relation et s’enfermant dans une forme de repli sur soi dans un petit village entièrement blanc, leur isolement les conduit finalement au chaos tragique de l’asile de Broadmoor. Dans ce récit authentique, Smoczyńska et l’auteure Andrea Seigel explorent l’intériorité psychologique singulière de ces jeunes filles, imaginant ce que de telles expériences extrêmes peuvent représenter de l’intérieur.
Comme pour les filles, cette rupture avec le réalisme est saisissante, contrastant fortement avec la monotonie de leur quotidien. Des séquences en stop-motion extrêmement froissées montrent des silhouettes à tête d'oiseau errant dans un univers de papier crépon et de feutrine, tandis que des figures musicales ponctuelles traduisent la détresse intérieure des sœurs dans un langage déclaratif, à la manière d'un chœur antique (comme dans le brillant spectacle polonais de Smoczyńska, « The Lure », mettant en scène une sirène tueuse et strip-teaseuse). June et Jennifer s'imaginent entrer dans un sanctuaire aux couleurs éclatantes où tout est parfait, jusqu'à ce que le fracas les ramène brutalement à la réalité, nous laissant sous le choc. Dans ce monde romantique, des athlètes tentent de faire de la gymnastique avec des jeunes filles protégées après les avoir encouragées. Alors que leur situation commune se détériore et que les tribunaux les séparent, nous assistons impuissants à la destruction de leurs havres de paix privés, une série de retournements de situation formels qui ont émergé au milieu d'un débat sur le manque de services de santé mentale au Royaume-Uni.
Mad Max n'est plus qu'un mauvais souvenir, et George Miller revient avec ce conte de fées moderne et improbable. L'histoire ? Alicia Binney (Tilda Swinton, au sommet de son art) et le Génie (Idris Elba, resplendissant et Géant) qu'elle vient de libérer de la bouteille achetée la veille au bazar d'Istanbul. Le scénario est simple : il est là pour exaucer ses trois vœux et la laisser utiliser le Génie à sa guise. Mais, consciente des pièges tendus par le Génie, elle se méfie. Pour la convaincre de sa bienveillance, il lui a concocté une histoire fantastique sur ses trois derniers millénaires, un véritable feu d'artifice d'effets spéciaux qui surpasse la plupart des productions hollywoodiennes du même genre. L'imagination est sans limites. Du château de la reine de Saba à la cour de l'empereur Soliman le Magnifique, magie, intrigues et passion s'entremêlent dans un voyage à travers le Moyen-Orient antique.
Mais ce voyage merveilleux réserve une destination inattendue, qui culmine dans la subtile histoire d'amour de ces deux êtres atypiques et pourtant si semblables. Ils brisent leur solitude en partageant la joie de raconter des histoires, et la structure narrative imbriquée de Miller les pousse à se surpasser. Comme l'expliquait Alithea lors d'une conférence universitaire au début du film, nous inventons des mythes pour donner un sens au monde énigmatique qui nous entoure, et Miller a accompli un véritable tour de force en combinant ce sentiment d'émerveillement avec le sens de l'invention, qui insuffle la connaissance dans un monde moderne étouffé par la technologie. Bien sûr, les cinéastes ne sont pas des technophobes ; les passionnés d'effets visuels seront captivés par l'utilisation astucieuse des embellissements numériques et des créations à grande échelle, qu'il s'agisse des images saisissantes d'une bouteille emportée par la griffe d'un oiseau jusqu'à l'océan, ou de la transformation en une araignée à la Giger. Le cauchemar instantané de l'assassin mutant se dissout ensuite dans une mare de scarabées.
Riley Keough rejoint Gina Gammell à la réalisation pour un début prometteur dans la prochaine étape de leur carrière. (Les deux femmes travaillent déjà ensemble sur un autre projet.) Elles ont balayé toute trace de vanité hollywoodienne, et la tribu Oglala Lakota survit tant bien que mal dans cette réserve néoréaliste de Pine Ridge, dans le Dakota du Sud. Pour Matho (LaDainian Crazy Thunder), un jeune du coin, et Bill (Jojo Bapteise Whiting), plus âgé, cela signifie surtout voler et vendre de la drogue, dealer de petites quantités de méthamphétamine, travailler de longues heures dans des élevages de dindes et des usines voisines, ou vendre des caniches destinés à la reproduction pour prolonger leur vie. Quand on n'a pas d'argent, il ne reste plus rien à faire, un fait que la plupart des films, qui se contentent de suivre des jeunes cherchant simplement à occuper leur temps libre, comprennent.
Si cela vous donne l'impression que Keough et Gammell, en tant qu'étrangers, idéalisent la pauvreté ou tombent dans l'exploitation, détrompez-vous. Après les scénaristes Bill Reddy et Franklin Sue Bob (Guided by Sioux Bob) et une distribution composée de véritables habitants de Pine Ridge, ils tissent avec brio des liens tonaux complexes sans jamais tomber dans la facilité. Ces personnages doivent affronter les brimades des adultes qui les entourent – le père parfois violent de Mato, le patron blanc de Bill – mais comme tous les jeunes, une fois qu'ils peuvent se détendre et faire des blagues ensemble, la misère leur glisse dessus. Un dénouement détaché réaffirme les intentions les plus sombres du film : célébrer et donner du pouvoir aux personnes marginalisées par une société dominée par les Blancs qui les méprise. Le duo Keough-Gammell est là pour durer, et on espère que leurs collaborateurs charismatiques, dont l'acteur non professionnel le plus en vue depuis The Rider de Chloé Zhao, le resteront également.
Date de publication : 2 juin 2022
